Los danzantes han sido siempre hombres. Esto no es obstáculo para que en su vestimenta usen faldas más o menos largas, sayas, delantales, puntillas, lazos en los brazos o en las muñecas, cintas multicolores y femeninas en la espalda, pañuelos igualmente de mujer, mantones (los de Costantim o Laguna de Negrillos)  o incluso joyas y collares, adoptando una fisonomía bizarra y difícil de comprender. Todas estas prendas y adornos femeninos tampoco son incompatibles con ese carácter sacerdotal del danzante mediante el cual la cuadrilla de danzantes se acerca y se postra ante la divinidad protectora. Los danzantes representan a todo el grupo ante la deidad local. Así pues, en el danzante están depositados los dos sexos, o sea, toda la población.  

Blanco y rojo es una combinación sagrada antiquísima; blanco de pureza, rojo de sacrificio. Es la combinación que vemos en los danzantes de espadas del grabado del Corpus sevillano de 1747, en Guipúzcoa, etc. Las ricas telas de brocado, sedas o damascos, con sabor a liturgia vieja, forman con frecuencia parte de este vestuario. A su vez, las gambadas de cascabeles, con su campanilleo metálico, o los escapularios nos hablan claramente de protección. La banda o bandas terciadas nos llevan al perfil militar de estas danzas pírricas. En las bandas predomina el rojo (en Graus o Laguardia por ejemplo); el rojo con el azul o verde también (en Oñate o Peñíscola). Estamos hablando ya de enfrentamiento.

Los nueve pares de çapatos aparecen con cierta frecuencia en los gastos municipales, lo que nos da idea de la importancia del calzado, seguramente muy bien adornado. El número nueve no existe en los danzantes; es ocho más uno. Las cuadrillas que han conservado con mayor grado de integridad su indumentaria suelen presentar tocados vistosos y, no hace falta decirlo, atemporales: “kaskas” y mitras con flores (Valverde de los Arroyos o Majaelrayo) y espejo defensivo, sombreros aristocráticos con cintas de colores, gorras peculiares, claveles frescos o ramos de albahaca sujetos con el pañuelo de cabeza, prenda muy utilizada por los danzantes navarros y aragoneses (Cortes, Tudela, Ablitas, Tauste, Huesca etc.). En definitiva, el danzante no se viste; se reviste. A veces hay que ayudarle. El danzante nunca se disfraza.

Fue habitual el uso de máscaras, (como los Danzantes de Michoacán en Méjico) lo que nos manda al danzante comediante. Existía el mascarero, el tendero que alquilaba cascabeles, trajes y máscaras a las comparsas de danzantes. Algunos danzantes prestaban o alquilaban sus trajes a los de las localidades vecinas.

Los palos de la danza, al igual que los broqueles, los sables o los arcos, son sagrados. Con ellos se oficia la danza, la burruca, como escribía el maestro Iztueta en 1824 (Ver Bibliografia) hablando de las memorables danzas de Guipúzcoa. Los palos deben estar siempre bien pulidos y pintados, con sus cordones y borlas para sujetarlos a las muñecas. A finales del siglo XVI ya aparecen en Pamplona gastos por pintar los palos y los broquelillos. En lugares puntuales se ha conservado el detalle de manifestar el luto del danzante, sustituyendo, por ejemplo, su faja roja y la de su compañero de formación por la faja negra o danzando con los palos pintados de negro. Del mismo modo se ha conservado el traje de víspera, llevando sólo los cascabeles o algún elemento característico del traje de gala sobre la vestimenta habitual o sobre una indumentaria festiva  siempre más sencilla que la del día de la fiesta.

Los danzantes, como decíamos, han sido siempre hombres. Bien niños, bien mozos o quintos que a través de la danza cumplen con un rito iniciático de su vida. Pueden ser una cuadrilla de hombres ágiles, resistentes y graciosos, con una gran vitalidad, o unos hombres ya maduros que se resisten a dejar el prestigio de su puesto en la danza a un hijo, un hermano o incluso a un nieto. Esta entrega de los palos o el sable o de algún elemento íntimo del traje resulta siempre emocionante.